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jueves, 28 de mayo de 2020

CONMOVEDORA HISTORIA DE AMOR LOS GIRASOLES

LOS GIRASOLES (1970). Historia de amor en época de guerra.


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La película es una historia de amor ambientada en tiempos de guerra y representa la tercera de las películas dirigida por Vitorio De Sica que cuenta con la pareja protagonista formada por Sofía Loren y Marcello MastroianniUna coproducción Italia-Francia- Unión Soviética que tiene la particularidad  de ser probablemente la primera cinta occidental que se rodaba en tierras rusas. Todo el film está rodado en auténticos exteriores, tanto de Italia como de Rusia, gracias la fotografía de Giuseppe Rotunno que colaboró estrechamente para los planos rusos con su colega el director de fotografía David VinitskijFue una de las grandes producciones de Carlo Ponti donde Sophia adquiere el principal papel como vector transmisor de las intensas emociones del film, acompañada de la magnética presencia del gran Marcello.

De Sica abandona el neorrealismo para presentarnos una película emotiva, sentimental y nostálgica que profundiza en los sentimientos humanos bajo el amparo de un guion muy cuidado, elaborado por Tonino GuerraGiorgi Mdivani y Cesare ZavattiniAdemás, el director se decanta por un technicolor que realza la belleza de los paisajes y que enfatiza uno de los tramos de la batalla en el frente. Se trata de la historia de amor de un soldado italiano de Milán, Antonio (Mastroianni), que se enamora de Giovanna (Sophia Loren), una recia mujer napolitana. La guerra, será el tercer protagonista de esta historia, elemento clave que interferirá como obstáculo entre dos jóvenes enamorados.

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Vittorio de Sicca ambienta este relato amoroso en plena Guerra Mundial para mostrarnos los horrores del conflicto desde una perspectiva diferente a las películas bélicas. La acción no se centra en el campo de batalla, sino en el terreno de la retaguardia, donde tantas familias quedaron destrozadas por la pérdida de sus seres queridos. El director enfatiza la presencia italiana en la batalla del frente ruso, tan pocas veces representada en pantalla, ya que la mayoría de los relatos solo reflejan la confrontación ruso-alemana.

La película comienza con la visión de un campo de girasoles, cuyo significado metafórico se descubrirá a través del relato. Inmediatamente después, aparece en escena la gran Sophia Loren vestida de negro, triste pero con una presencia intensa y luchadora que reclama el paradero de su marido desaparecido en combate. Giovanna, es una mujer de fuerte temperamento que no duda en exigir a todos los estamentos que le pongan fin a su eterna espera y que descubran por fin si su marido ha muerto en el frente o por el contrario, sigue con vida. Vestida de negro, acompañada de su suegra, llora impotente la ausencia de su marido, y sentada en la casa que compartieron comienza el primer flash back de una narración que su director sabiamente fragmenta en diferentes épocas temporales a modo de capítulos, como si de una novela se tratara.

Este primer recuerdo de Giovanna se centra en la época en la que se conocieron Antonio y ella, viviendo un intenso y breve romance. Por aquel entonces La II Guerra Mundial estaba en pleno desarrollo y la pareja decide casarse para que Antonio, ya reclutado como soldado y pendiente de marchar a África, pueda disfrutar de un permiso por matrimonio. Al final de su luna de miel, están tan enamorados que intentan urdir un engaño para evitar el frente. Pero su torpeza de enamorados hará que los descubran, obligando entonces a que Antonio marche como voluntario al frente ruso. Durante la Segunda Guerra Mundial, habiéndose aliado Italia con Alemania, realizan conjuntamente un ataque a Rusia, que como por todos es sabido, supuso una gran derrota para el Eje Nazi que finalizó con una gran masacre en un territorio infernal, vapuleados por los rusos conocedores de su clima y su territorio. Con una emotiva escena de despedida en la estación finaliza este primer capítulo del film.

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De vuelta al presente, Giovanna continúa esperando porque tiene la intuición de que su marido sigue vivo. El día que se anuncia el final de la guerra, Giovanna acude como tantas otras familias con la foto de Antonio en la mano a la misma estación de tren donde se despidieron. Ahora, ya sí son visibles los efectos de la guerra, miles de familiares, al igual que nuestra protagonista, muestran fotos de soldados que partieron para el frente ruso, desesperados buscando entre hombres harapientos a los suyos. Los combatientes regresan del frente ruso, pero sigue sin encontrar a Antonio. Uno de los soldados que vuelve parece reconocer la foto de su marido y se abre otro flash back para contar la experiencia que vivió con Antonio como camarada en el frente ruso.

En este tramo, se suman la narración contada en primera persona por un soldado que vivió un verdadero infierno blanco, congelados por el frío y la nieve; y, derrotados por los rusos, con imágenes insertadas a modo de recreación de la batalla en mitad del gran manto siberiano. Heridos, hambrientos y casi muertos de congelación las tropas italianas y alemanas intentan la retirada. Bastan un par de escenas en el frente para comprender el gran sufrimiento de estos hombres. El soldado cuenta que intentó ayudar a Antonio, herido en una pierna, sin apenas poder andar ni tener un lugar donde refugiarse tuvo que abandonarlo en la nieve, donde ve cómo los cadáveres de los soldados salpican la blanca llanura. Allí, Antonio fue abandonado a una muerte segura. Sin embargo, Giovanna se niega a aceptar la muerte de su marido y decide volver a Rusia en su busca.

Dura epopeya la de una mujer valiente y fiel a su amor que al final del viaje hará un descubrimiento que romperá todos sus cimientos. De nuevo, una estación de tren sirve de marco a una escena demoledora, donde Giovanna descubre la otra vida de su enamorado. La Loren, que se luce en el papel de la recia y determinada italiana capaz de cruzar miles de kilómetros para buscar a su esposo, encontrará una sorpresa que pondrá fin a su felicidad. Mastroianni también ofrece una actuación destacable, aunque en un papel mucho más introspectivo, e igualmente intenso en emociones.

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De Sica traslada el relato desde Nápoles, momentos en que todo era felicidad para una joven pareja, como bello escenario introductorio de una historia que nos conduce hasta una Rusia representada tanto en el campo de batalla como en la postguerra, tras la muerte de Stalin. El último tramo de la historia, donde se vuelve al entorno italiano, pasados los años y cambiados los protagonistas, nos dejan un intenso final para el recuerdo:

-Antonio: No puedo explicarlo, pensé que podía contártelo, pero no sé cómo. La guerra cambia a las personas, cambia los sentimientos…no puedo explicar lo que viví allí.

La cámara por lo general se mantiene parsimoniosa, sin excesivos adornos ni movimientos. Destacan los grandes planos y los planos medios salpicados de ocasionales primeros planos que se fusionan con los más vividos momentos de sufrimientos en los personajes.

Los elementos clave para ganarse el corazón del espectador en este filme, son por un lado la excelente música de Mancini (una preciosa banda sonora de piano que marca el ritmo y la evolución emocional de sus protagonistas con serie de notas tristes y evocadoras) y la firme interpretación de dos de los grandes del cine italiano de todos los tiempos, una visceral Sophia Loren en su papel de mujer napolitana de carácter indómito, muy alejada de los papeles de sex symbol y Mastroianni, siempre tan camaleónico en sus emociones, en un ejercicio de interpretación de hombre humilde , cariñoso y jovial, que sufre la experiencia de una guerra para madurar de golpe e impregnarse del halo nostálgico con el que sobrecoge en la segunda parte de la película.

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Título original: I Girasoli.

Director: Vittorio De Sica.

Intérpretes: Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Lyudmila Saveleva, Galina Andreyeva,Anna Carena, Germano Longo, Silvano Tranquilli, Glauco Onorato, Marisa Traversi.


Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

sábado, 14 de octubre de 2017

PELICULA COMPLETA Todos Dicen te Quiero, de Woody Allen






Título original
Everyone Says I Love You
Año
Duración
101 min.
País
Estados Unidos Estados Unidos
Director
Guion
Woody Allen
Música
Dick Hyman
Fotografía
Carlo Di Palma
Reparto
, , , , ,, , , , ,, 
Productora
Sweetland Films / Miramax Films / Buena Vista Pictures
Género
ComediaMusicalRomance | Comedia romántica
Sinopsis
El matrimonio formado por Steffi y Bob es el paradigma de la familia burguesa de Nueva York: son ricos, liberales y socialmente comprometidos. Steffi estuvo casada con Joe, un tipo sin suerte con las mujeres, con quien tiene una hija algo inestable. Bob tiene un hijo conservador, una hija que ha puesto en peligro su boda al enamorarse de un delincuente y otras dos hijas adolescentes que se pelean por chicos multimillonarios. Todos ellos pasean sus problemas por Nueva York, París, Venecia. (FILMAFFINITY)
Premios
1996: Globos de oro: Nominada Mejor película - Comedia o musical
1996: Satellite Awards: 3 nominaciones incluyendo mejor película - Comedia o musical
1997: Premios Cesar: Nominada a mejor película extranjera
Críticas
  • "Comedia de Allen que no es redonda, pero sí buenísima"
  • "Película que esparce con liviandad aparente retazos de ingenio, humor, drama, juego e ironía, todo con enorme elegancia, como quien baila"
  • "Obra maestra de arrebatador encanto, homenaje al musical teñido de melancolía"

Todos Dicen te Quiero, de Woody Allen

Woody Allen dice Felicidad

Por Oswaldo OsorioImage
No cabe la menor duda, Woody Allen es uno de esos nombres imprescindibles en el cine de nuestro tiempo. Y eso lo acaba de confirmar con su último filme, titulado Todos dicen te quiero (Everyone says I love you, 1996). Y no es que se trate de una obra con una gran historia como La Rosa Púrpura del Cairo (1985), con el ingenio y la brillantez de Zelig (1983), con la gracia de La última noche de Boris Gruchenko (1975), o con la intensidad de los personajes de Crímenes y pecados (1989), sino que es un filme lleno de cualidades en la medida en que es consecuente con su planteamiento, esto es, un musical desenfadado que habla de la felicidad y el amor.
Definitivamente, esta es su película más optimista, por no decir que más ingenua. Porque en ella sólo encontramos, ya muy lejanamente, los ecos de los personajes y situaciones que eran habituales en sus anteriores filmes. No está ese antihéroe atormentado, víctima y perdedor, generalmente encarnado por el mismo Allen. Tampoco vemos el infierno de las pasiones y de las relaciones de pareja, ni la burla incisiva a la sociedad moderna, y menos todavía las pequeñas y grandes tragedias que esta mente brillante, neurótica y aberrante, iba sembrando en el camino que debían recorrer sus personajes de celuloide. Sí hay un poco de todo esto, pero sólo un poco, y sin la agudeza ni la profundidad de antes.
Es probable que esta suerte de cambio, que también puede ser una variable o un simple paréntesis en su obra, tenga su explicación en sus sesenta y tres años de edad, porque, aunque no lo parezca y no queramos admitirlo, esa cifra ya significa pensar en cosas como vejez, agotamiento (no físico), diferente percepción del mundo, o sencillamente, que ya no tiene nada qué decir, como le ha pasado a muchos otros artistas tan prolíficos como él. Esto sólo es especulación, pero está dentro de las posibilidades.
Cantar y bailar
En esta película, este inventor de neurosis con lo que sí nos sorprende es con su forma, más que con su fondo. Y es que Todos dicen te quiero  es nada más y nada menos que un musical, casi al estilo de los viejos musicales de la Warner, y digo casi porque no resulta tan artificial, extravagante y, a veces, hasta surreal, como aquéllos de un Vincent Minelli o un Stanley Donen, con sus coreografías espectalculares y coloridas y sus decorados grandilocuentes y postizos, todo un universo que sólo tenía sentido dentro de la misma lógica que planteaba el género musical.
Por eso no sería correcto definir esta película de Allen como un musical a la vieja usanza, pues las canciones y coreografías se presentan en ella de manera más natural en el desarrollo de la trama. Ya el muy obseso Woody nos había dado un adelanto musical en su descomplicada Poderosa Afrodita (1995), cuando puso a bailar y a cantar a aquel insolente coro griego. Porque para esta nueva película ya Allen había amenazado con que quería hacer un musical en el que los actores cantaran, no como profesionales, sino como una extensión de su interpretación en determinadas escenas.
Y efectivamente, a pesar de que en esta época , y menos por estas latitudes, no estamos muy acostumbrados al género musical, el filme de este neoyorquino no cansa ni molesta con sus canciones o sus números de baile, cosa que sí ocurre, por ejemplo, con las últimas e insustanciales películas de la Disney. Todo su excelente reparto, desde Tim Roth y Alan Alda, pasando por Julia Roberts y Goldie Hawn, hasta el mismo Woody Allen, cantan y bailan en medio de sus actuaciones, y lo hacen con una perfecta imperfección que es lo que, en definitiva, le confiere a esta película el carácter de homenaje a ese género que hizo historia hace ya varias décadas.
Un mundo feliz
Todos dicen te quiero carece de un argumento sólido y convencional, se trata más bien de una serie de circunstancias que están en torno a un núcleo familiar de clase alta: una madre acaudalada que no sabe qué hacer con su tiempo y su dinero, un padre que tiene problemas ideológicos con su hijo, una fallida historia de amor, una joven pareja a punto de casarse y tres adolescentes que están en plan de búsqueda y aprendizaje. Todo esto contado en el tono y la clave que a Woody Allen le gusta, esto es, la comedia verbosa e inteligente, alimentada por una serie de historias paralelas que se entrelazan por medio de esta gran familia como hilo conductor.
Esta es una película llena de personajes, todos con casi la misma importancia y singularidad, que integran una pieza coral divertida y emotiva, con la felicidad como denominador común, tanto para ellos como para la película misma. Una película que habla de amor, de buenos recuerdos, de fraternidad y hasta de desamor, pero sin muchos traumatismos. Y aunque no está exenta de actitudes neuróticas o de elementos que desequilibren la paz del hogar, éstos no son muy graves y a la postre tienen fácil solución. Por todo esto,  tal vez ésta no sea la mejor película de Woody Allen, pero sin duda es un obra que, aunque ingenua e inofensiva, está llena de virtudes.

http://www.cinefagos.net/paradigm/index.php/crcas-mainmenu-40/86-todos-dicen-te-quiero-de-woody-allen

sábado, 30 de septiembre de 2017

VALMONT Pelicula completa "Brillante y ágil opereta de decadencias, lujos









”¡Una película magnífica! El guionista, Jean-Claude Carrière, y el director, Milos Forman, consiguieron algo que Las amistades peligrosas no habían logrado, es decir, el arte de expresar lo trágicas que pueden ser las consecuencias de juguetear con los corazones de los demás en nombre de la diversión”.
(Edward Lamberti, Film Salon, 2007).
¿Cuál es la venganza más demoledora? ¿La de un hombre o la de una mujer? ¿Cuál es el precio que hay que pagar por juguetear con los sentimientos de los demás? Una viuda encantadora, la Marquesa de Merteuil, empieza el juego de la venganza con su senescente amante llamado Gercourt, que la ha abandonado para casarse con una prima de ella, la joven Cecilia, criada en un monasterio.
Un amigo de la Marquesa, el Vizconde de Valmont, se convierte en el instrumento de la venganza. Él, seductor por excelencia de la corte, tiene que seducir a Cecilia antes de la boda y castigar así a Gercourt, que está deseando desvirgar a la joven.
La adaptación de Forman de la famosa novela de Choderlos de Laclos, Las amistades peligrosas, es una reflexión del autor sobre la alta sociedad francesa de finales del siglo XVIII y, al mismo tiempo, se trata de un análisis sobre el camino hacia la libertad absoluta, que no puede ser redimida sino por la separación de los valores humanos básicos, por la soledad y la muerte.

Sobre la película

La Marquesa de Merteuil pide a su ex amante, el Vizconde de Valmont, que seduzca a su prima de quince años, Cecilia. Al principio, Valmont se niega porque se siente atraído por la belleza de Madame de Tourvel, una dama casada y religiosa, que en esa época está pasando una temporada en la casa de campo de una tía mayor. La ofendida Marquesa hace una apuesta con el Vizconde. Si él logra seducir a la pudorosa mujer del viejo juez, conseguirá de nuevo el derecho de entrar en su dormitorio. No obstante, en el caso contrario, el Vizconde tendrá que ingresar en un monasterio.
Mientras, la Marquesa se aprovecha de la confianza de la ingenua Cecilia y de su amor infantil hacia un joven maestro de música, Dancy, asegurándoles que les ayudará a culminar su amor. El complicado juego de intrigas al final se vuelve en contra de sus instigadores. El inocente Dancy no quiere a Cecilia como amante, sino que es muy decente y la quiere como esposa, lo cual destruye el plan de la Marquesa por completo. Por su parte, Valmont se enamora de verdad de Madame de Tourvel. Sin embargo, después de haberla conquistado, no es capaz de aceptar su amor y la abandona.
Vuelve con la Marquesa, le pide un premio por haber ganado la apuesta y le pide la mano. No obstante, la Marquesa, orgullosa y liberal, rechaza su oferta. Con ello desencadena otro círculo de venganzas mutuas donde nadie gana y todos pierden.
Forman no retrata a sus dos protagonistas como a un par de manipuladores sin sentimientos, sino como a seres vulnerables cuyas emociones y disputas tragicómicas comprende profundamente. Su Marquesa de Merteuil es el prototipo de la mujer astuta y emancipada que se niega a vivir bajo la autoridad de un hombre. Valmont es el eterno niño que tiene tanto miedo a los compromisos que sacrifica incluso a su único amor para sentirse libre. El clímax de la película son las divertidas conversaciones entre los dos personajes promotores de las intrigas, llenas de una engañosa gracia, de sarcasmo y de vanidad humana.
A pesar de que Forman actualizó esta antigua historia sobre los modales cortesanos de forma magistral, la película pagó el precio de haber sido estrenada en los cines poco después del estreno de otra adaptación de la misma novela, Las amistades peligrosas, del director inglés, Stephen Frears, que fue muy aplaudida por el público. Se trataba de una adaptación hecha a partir de la famosa obra de teatro de Christopher Hampton.
Con el paso de los años, la película de Forman encuentra su reconocimiento, tanto por parte del público como de los críticos. Se aprecian su estilo como autor y su manera de enfatizar la realidad a través de una observación cinematográfica aparentemente imparcial, así como los minuciosos detalles psicológicos de los personajes, cosas que no tiene la versión más exitosa.

Curiosidades

  • Mientras Forman y su guionista, Jean-Claude Carrière, se inspiraron libremente en la novela Las amistades peligrosas (1782), Frears siguió la famosa versión teatral de Christopher Hampton.
  • También el director francés, Roger Vadim, hizo una adaptación de la famosa novela epistolar de Choderlos de Laclos Las amistades peligrosas. La rodó en 1959 con Gérard Philipe y Jeanne Moreau como protagonistas y adaptándola a la sociedad de esa época.
  • El guión de la película de Forman difiere en muchos detalles de la novela. En la adaptación novelística, Valmont viola a la inocente Cecilia que, vistas las circunstancias, aborta. En cambio, en la película del director checo, Cecilia se deja seducir voluntariamente y al día siguiente incluso llega a confesar que fue muy hermoso. Al final de la película nos enteramos, en su propia boda, de que está embarazada. En la película tampoco se mencionan las cartas entre Valmont y Merteuil que resultan ser la causa de su descenso social. Por otro lado, es también importante el destino de la enamorada Madame de Tourvel. En la película de Forman es menos trágico, no muere por culpa de un amor infeliz, sino que vuelve con su marido que le perdona.
  • Cuando le propusieron a Michelle Pfeiffer que interpretara el papel de la Marquesa de Merteuil en la película Valmont, le estaban ofreciendo, al mismo tiempo, el papel de Madame de Tourvel en Las amistades peligrosas. Al final, la actriz se decidió por el papel principal en la película de Stephen Frears.

Milos Forman habla sobre la película

  • ”Pasé mucho tiempo a la caza de esa locura maravillosa durante la cual no existe otra cosa que la pareja y nada importa. La vida exige que este estado no dure para siempre, pero cuando llega, nada lo supera. En mi versión de la historia, Valmont anhela justamente eso.  Es un mujeriego, un seductor con grandes éxitos en el plano amoroso, pero hace todo eso solamente porque busca un sentimiento más grande y profundo. Por ironías del destino no lo encuentra hasta que conoce a la pacata mujer del juez, Madame de Tourvel, y este sentimiento le asusta tanto que prefiere echar a la mujer, y él mismo se lanza a un duelo suicida”.
  • La relación entre Valmont y la Marquesa de Merteuil es como ese primer flirteo extraño que suele aparecer entre el director y la actriz principal de su película. Siempre siento un sentimiento profundo y mucha ternura hacia mi actriz, y la suelo animar para que también ella me descubra su corazón, su yo, sus ideas más secretas. Por eso, durante el rodaje, suele ocurrir que me enamoro de ella a través de un amor raro, que los dos sabemos que es, al mismo tiempo, una transacción sentimental que favorece a la película. No obstante, me retiro y la incito para que me provoque y seduzca y me encante aún más. Intento tenerla en mi poder; pero, al mismo tiempo, procuro no perderme en nuestro sentimiento. Tengo miedo de mostrarme delante de ella desnudo y vulnerable. Nuestra relación profesional exige cierta autoridad y misterio, pero tengo ganas de poder culminar mis deseos después del rodaje. Sin embargo, en cuanto la película se termina, me doy cuenta de que a la actriz ya no le intereso. Mi interpretación de la relación misteriosa entre Valmont y la Marquesa de Merteuil se basa justo en ese juego extraño de seducción y rechazo, en esa fascinación imposible de cumplir que experimento yo en casi todas mis películas”.
  • Valmont fue un fracaso, lo cual, en circunstancias normales, me habría postrado en cama por largos meses. No obstante, justo el mismo día de su estreno estalló en Checoslovaquia la revolución de terciopelo, que lideraba mi viejo compañero de clase de Podebrady (el escritor y disidente, Václav Havel, nota del editor)”.



miércoles, 27 de septiembre de 2017

Via Condotti ( Armani, Hermès, Cartier, Louis Vuitton, Fendi, Gucci, Prada, Chanel, Dolce & Gabbana y Ferragamo )


La Via Condotti (oficialmente Via dei Condotti) es una de las calles más famosas de RomaItalia. En la época de la Antigua Roma fue una de las calles que cruzaban la antigua Vía Flaminia y permitía que las personas que cruzaban el Tíber llegaran a la colina de Pincio. Comienza en la Plaza de España y toma el nombre de los conductos o canales que llevan agua a las Termas de Agripa.
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El Caffé Greco (o Antico Caffè Greco), quizás el más famoso café de Roma, se estableció en la Via dei Condotti 84 en 1760, y atrajo a figuras como StendhalGoetheByronKeats y Franz Liszt a tomar café allí. Guglielmo Marconi, supuesto inventor de la radio, vivió en Via dei Condotti 11 hasta su muerte.
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Debido a su cercanía con la Plaza de España, la calle es visitada por un gran número de turistas. En 1989, el diseñador de moda Valentino acudió sin éxito a los tribunales para tratar de impedir la apertura de un McDonald's cerca de la Plaza de España, quejándose del "ruido y los olores repugnantes" en las cercanías de Via Condotti.
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Resultado de imagen para VIA CONDOTTIVia Condotti es un centro de compras de moda en Roma, desde que el taller de Bulgari abrió sus puertas en 1884. Ahora, además de Valentino, otros diseñadores como ArmaniHermèsCartierLouis VuittonFendiGucciPradaChanelDolce & Gabbana y Ferragamo tienen tiendas en la Via Condotti. 

Otros, como Laura Biagiotti tienen sus oficinas allí.